Como mencionábamos en la galería, Aroldo es conocido como uno de los mejores fanzineros del Uruguay. Actualmente es profesor del curso de Realizador de Cómics y Animación 3D del instituto BIOS. Sus influencias van de los más remoto del cómic y animación japones hasta el arte occidental. Aroldo también se desempeña como dibujante freelance para diversas agencias relacionadas con la publicidad y comunicación tanto a nivel local como internacional.

Aroldo, primero que nada ZonaCG te agradece enormemente por tu colaboración y participación en nuestro sitio, y por tu tiempo dedicado a responder nuestras preguntas. ¡Comenzemos!

¿Cuándo comenzaste a leer cómics y a realizar tus primeros dibujos?

Creo que empece a leer y a garabatear desde siempre, pero conscientemente hace unos veinte años. Antes no prestaba atención al destino de las revistas, no importaban si se perdían, estropean o lo que fuere. Llego un punto en el que las empece a cuidar y por ende a coleccionar.
Comencé con las revistas de la editorial Novaro, unas que compilaban material de DC Comics de las que aun tengo 200 ejemplares. Ese fue mi punto de partida en tanto como coleccionista-lector, volcando inmediatamente mi interés por la historieta. Con el dibujo paso algo similar, rayaba cualquier papel (mantengo muchos de ellos hoy día) con seres y cosas de cualquier índole. Hasta que me di cuenta que la historieta era compatible con lo que hacia y entonces ahí me empece a encaminar con el dibujo. Eso implico ir tras la herramienta vital: información. Desde ahí me intereso comprender la trastienda que tiene el cómic en general e informarme sobre anatomía, perspectiva, composición, diseño, etc.

El detalle era que se hacia difícil (o muy difícil) conseguir material informativo, todo el tiempo fue una búsqueda constante, cosa que no sucede hoy día. Y es un hecho que me llama mucho la atención ya que se puede acceder a la información, en cantidad y calidad, de una forma mucho mas rápida y barata que antes, pero el desconocimiento es inversamente proporcional.

Con el tiempo me encontré con el cómic europeo y el japones (manga), que aportaron alguna cosa que otra y que me fueron formando hasta que llegue al Continental School, glorioso reducto por el que han pasado dibujantes que hoy se destacan en el exterior (como ya es tradición) como Richard Bennett y Alejandro Collucci por nombrar dos. Allí tome conciencia real de que esto de la historieta era y es una industria de dimensiones que no imaginaba y que se podía (y se puede) acceder a ella. Ese es mas o menos mi inicio en este universo del Arte Secuencial.

Como dibujante uruguayo, ¿cómo ves al mercado local a nivel regional?

Antes que nada hay que acotar que no existe el mercado local. Este es un país que no tiene tradición de producir cómic como lo ha tenido Argentina, con dibujantes que se han proyectado a nivel internacional en cantidad y calidad. Los casos similares desde acá han sido pocos como Eduardo Barreto, Richard Bennett o Gonzalo Mendizabal (tal vez se me escape algún otro) que lo consiguieron por merito propio y no por que acá hubiera editoriales (que jamas existieron) o un mercado que hiciera de base de lanzamiento hacia otros ámbitos profesionales.

El caso de la Argentina es bien distinto, siempre tuvieron cultura y tradición de cómic, tuvieron editoriales, tuvieron mercado dentro y hacia afuera hasta que llego la crisis de fin de siglo y todo eso se destruyó. Pero siempre estuvo latente el fanzine que a crecido y se ha consolidado como fermento de esta forma cultural. Hoy día en Argentina hay unas cuantas editoriales pequeñas que mantienen el espíritu del cómic y lentamente están ocupando ese espacio que se vació.

En cuanto a Brasil, desconozco absolutamente todo. Convengamos que vivimos de espaldas a este país (yo creo que es por eso que no entendemos que ellos hacen todo con onda y alegría, dos términos que no comprende esta sociedad entumecida de prejuicios y solemnidad).

Hay una creciente tendencia en los ilustradores a acudir a herramientas digitales como parte del proceso de trabajo; personalmente ¿qué ventajas y desventajas le ves a utilizar el medio digital en el dibujo o ilustración?

¿Desventajas?… Ninguna. ¿Ventajas?….todas. La forma análoga del dibujo no va a morir nunca, la tecnología no puede suplantar la sensibilidad, lo que si hace es complementarla.
Ahora bien, yo puedo tener la mejor computadora con el mejor software y no servirme para nada si yo no tengo los conocimientos técnicos y artísticos que necesita un dibujo o una ilustración. Si uno se fija en las biografías del universo de ilustradores que hay en Internet, va a ver que prácticamente todos pasaron por academias y/o cursos de arte.

Lo análogo viene primero y la tecnología después, complementa, lleva a otro nivel un trabajo artístico. Como siempre digo, con esto de la tecnología hay que tener dos cosas: cabeza y buen gusto.

Todos los dibujantes, ilustradores, diseñadores, arquitectos inclusive bocetan básicamente en un papel y con un simple lápiz, plasman la idea básica y la tecnología enriquece esa idea técnica y estética. Si la idea es pobre o mala ,no hay tecnología que la salve, como me gusta decir a mi: “hay que darle de comer a la cabeza”.
Otras ventajas que tienen las herramientas digitales son la calidad gráfica de lo que se produce, la practicidad y versatilidad del soporte digital (envíos al momento vía mail, transporte vía pendrive, CD) con la posterior reproducción en destino sin la menor perdida de calidad.
Otra ventaja que se puede acotar es la preservación. Todo material analogo bien escaneado dura eternamente en un CD.

Ya has hecho algunos experimentos con el 3D, ¿lo ves como una herramienta que cobrará  mayor protagonismo en el cómic?

He visto alguna historieta hecha completamente en 3D y me pareció un poco pobre, lucia todo rígido, entumecido, le faltaba naturalidad. Pero la culpa no es del 3D sino de la mano que lo ejecuta, como mas o menos explique antes. Eso si, gráficamente se veía interesante, con texturas de todo tipo, trabajo de luces, etc. Yo creo que puede ser un nuevo territorio a explorar por parte de la historieta. No cambiaría nada excepto lo visual, con mayor presencia del diseño y la estética que podría resultar novedoso pero hay que trabajarlo mucho y con cuidado.
Lo que si creo es que no va a tomar un mayor protagonismo simplemente por la velocidad de producción que implica, en mas rápido hacer un cómic en forma análoga que con 3D, solo por eso.

Eres un gran fan del dibujo y la animación japonesa, ¿Qué artistas (directores de cine, dibujantes, ilustradores, etc.) tienes como mayor referencia? (de todo el mundo)

Me gusta mucho la animación porque la considero la ultima frontera del cómic y me atrae la animación japonesa en particular porque son unos maestros!!! (de hecho en Japón, la animación tiene nivel universitario, uno se recibe de animador y sucede lo mismo con el manga).
Es muy interesante como cuentan las historias mas allá de la riqueza estética y temática, son muy buenos narradores.
En cuanto a los dibujantes me fascinan Masamune Shirow (creador del clásico Ghost in the Shell y Appleseed) y mas recientemente Tsutomu Nihei. Ambos le han dado un nuevo punto de vista a la ciencia-ficción. Shirow le dio una visión mas sofisticada sin quitar esa pizca de violencia con la que condimentan este rubro los japoneses. Tiene un grafismo muy elaborado que se nota todo el tiempo en los diseños. En el caso de Nihei, es mas oscuro y sombrío, casi inhumano pero con un aire melancólico e inquietante. El dibujo tiene un toque mas artístico
y se le nota la influencia de los dibujantes europeos Enki Bilal y Giger. Otro ilustrador coreano que me parece genial es Hyung Tae Kim, que usa Painter en gran forma.

De los europeos me encanta Sergio Toppi (¡un maestro!), un veterano que sigue produciendo. Deliro con lo que hace Stephan Martiniere, un ilustrador francés que aplica 100% las herramientas digitales. Hay un caso muy interesante que combina lo digital acoplado perfectamente a los conceptos de la plástica que es lo que hace Craig Mullins, muy recomendable.

De los dibujantes norteamericanos destaco a Travis Charest, que me ha influenciado muchísimo, Leinil Francis Yu, Jae Lee (la primera época) y mas recientemente Ashley Wood que trajo al cómic conceptos del diseño gráfico y el arte figurativo. Quiero destacar que mi principal influencia es el uruguayo Richard Bennett del que soy ultrafan (somos de la misma época del Continental School) y del cual tengo el honor de que me halla llamado para trabajar con el alguna que otra vez. Esos son los artistas que me influencian al dia de hoy,aunque hay otros.

En cuanto a la animación me parecen interesantísimos los trabajos de Koji Morimoto y la productora Studio 4C, Mamoru Oshii, Tatsuyuki Tanaka, también lo que hace Peter Chung (Aeon Flux). El año pasado descubrí a un director muy joven (anda por los 30) que se perfiló como el avant-garde japones: Makoto Shinkai. Este señor trabaja pura y exclusivamente solo y lo que genera es exquisito, lo recomiendo.

¿Qué proyectos tienes para este 2008?

Como base, seguir con las clases de cómic, trabajando freelance para la publicidad y probablemente (ando con muchas ganas) hacer un fanzine. Me interesa incorporar lo digital como herramienta técnica y estética al viejo y querido dibujo análogo, envasado todo eso en un cómic.

¿Qué consejos le darías a los jóvenes fanzineros y dibujantes?

Por lo pronto y como punto de partida: darle de comer a la cabeza, como dije antes. Hay mucho desconocimiento de lo que es la historieta y de lo que implica su elaboración. Veo que mucha gente desconoce o tiene una idea muy vaga, creo que también hay una idiosincrasia bastante nefasta que merodea todo el tiempo en la forma de pensar de las personas. Es un pequeño gran enemigo a la hora de querer hacer cosas.

Las comunicaciones han alcanzado una dimensión magnifica -lease Internet- que permite no solo acceder a información que aceleraría el proceso de aprendizaje y más que nada de comprensión de las herramientas técnicas y artísticas que hay que usar. Y como elemento de proyección, Internet es la ruta ideal.

Hay posibilidades de que hacer historietas, de que esto sea un trabajo hacia el exterior. Eso si, hay que ser consciente de la calidad de lo que uno hace y del nivel que hay allá afuera. Y acá solo cabe una palabra: trabajo. Eso implica estudiar, practicar, mirar dibujantes, ilustradores, diseñadores, todo lo que parezca interesante (convengamos que también hay mucha porquería en la red) y elegir, y de esa elección van a salir las influencias que formen a la persona.

Esta lleno de sitios con tutoriales de todo tipo, publicaciones en formato digital, en fin, la información esta ahí, mucho mas fácil y barato que antes. Y el consejo mas importante: aniquilen la ilusión.Todas las formas artísticas son actos conscientes. Acá no existe la magia o fantasía de que apreto dos teclas y ya esta pronto o de que va a salir con solo pensarlo o de que uno es un genio con lo que hace (ya esta todo inventado), esto es un proceso que nace como una chispa en la cabeza -idea- y se vuelve una forma concreta como un libro, película, cómic, animación, etc. porque a esa idea se le aplicó un procedimiento -técnica- y así nace un producto.

Consumir todas aquellas formas culturales que sean de interés, literatura, cine, animación, historieta, información técnica (y hasta científica si es necesario), música, artes plásticas, etc. ayudan mucho al momento de crear. La información es poder, cuanto mas uno sabe, mejores cosas puede hacer.

That’s all folks!!

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